Dans l’entre-deux-guerres à Paris, au moment où une frange d’intellectuels unit ses voix aux mouvements nationalistes, des critiques d’art gravitant autour de l’École de Paris prennent des positions esthétiques et idéologiques parfois déroutantes. L’ouvrage examine les motivations personnelles, communautaires et sociales des diverses plumes qui ont débattu la question d’un « art juif » et de son éventuel caractère « ethnique ». Il étoffe notre compréhension de la politisation des discours sur l’art, sans céder à une vision simplificatrice ou binaire : à l’heure de la montée des fascismes, certains critiques d’art se sont adaptés aux circonstances, reflétant les glissements et les instabilités de l’époque.

Upon the “discovery of childhood,” as named by Philippe Ariès, bourgeois culture and modern literature marked out an arcane realm that, while scarcely accessible for adults, acted as a space for projections of the most contradictory kind and diverse ideological purposes: childhood. As this book reveals, from the eighteenth century onwards, the child increasingly came into focus in literature as a mysterious creature. Now the child seems a strange being, constantly unsettling and alienating, although exposed to ongoing territorialization. This is possible because the space of ‘childhood’ is essentially blank and indefinite. Modernity, therefore, has discovered it as a zone, in the words of Friedrich Schiller of “boundless determinability."
 

Sur quoi repose le succès d’un artiste en dehors de son pays d’origine ? Les attentes d’un public étranger orientent-elles la réception d’une œuvre, parfois au prix d’une déformation de son sens initial ? Le transfert d’une production artistique d’un contexte culturel à un autre peut donner lieu à un « malentendu productif » conduisant les récepteurs à apprécier celle-ci à l’aune de leurs propres références nationales, a priori loin des intentions revendiquées par son auteur. Ce phénomène expliquerait-il le succès de Robert Delaunay en Allemagne avant la Première guerre mondiale ? Le peintre orphiste y est l'un des artistes les plus célèbres, dans un contexte pourtant marqué par de fortes tensions nationales. Au cours de l’année 1913, avec l’aide du galeriste et directeur de revue Herwarth Walden, il expose et voyage à deux reprises à Berlin. Ses œuvres y suscitent l’engouement particulier de trois artistes expressionnistes aux trajectoires très différentes, et dont les travaux semblent à première vue très éloignés de ceux du Français : les peintres Ludwig Meidner et Lyonel Feininger, et l'architecte Bruno Taut.

Dans un premier temps, ce livre retrace en détail ce qui a été alors lu et vu de l’œuvre de Delaunay dans la capitale allemande. Ensuite, à travers l’étude de la réception critique du peinte français par trois figures majeures de la scène artistique berlinoise, il revient sur l’idée que le contexte culturel national entraverait la compréhension d’une œuvre ou en influencerait systématiquement les interprétations. En dépassant ainsi les préjugés nationaux qui nourrissent les débats esthétiques au début du XXe siècle et continuent d’imprégner aujourd’hui encore l’histoire de l’art, Sophie Goetzmann nous révèle les liens inattendus qui unissent, par-delà les frontières, les avant-gardes désignées sous les termes d’orphisme et d’expressionnisme.

David Graeber n’est pas seulement l’un des plus importants penseurs vivants. Il est aussi l’un des plus influents, mais, au contraire de bien d’intellectuels « engagés », l’un des très rares à avoir fait preuve d’une efficacité militante à répercussion mondiale. Nul n’a peut-être autant « impacté » sur la gauche internationale que cet homme.Tant par ses grands concepts comme ceux de la dette, de la bureaucratie ou des bullshit jobs, que par son implication cruciale dans le mouvement Occupy Wall Street, qui lui a valu un exil quasi forcé de son pays d’origine, il est peut-être l’intellectuel vivant à offrir le plus de pistes crédibles pour la sortie du capitalisme.

Se revendiquant depuis toujours anarchiste, dans ce livre d'entretiens avec Assia Turquier Zauberman et Mehdi Belhaj Kacem, Graeber parle tant sur l’histoire de l’anarchie que sur sa pertinence contemporaine et sur son avenir; tant sur les liens qui unissent l’anthropologie à l’anarchisme qu’aux « traces ADN » de celui-ci dans le mouvement d’OWS ou dans celui des gilets jaunes; sur la signification de l’éthique anarchiste non seulement dans sa portée politique, mais esthétique et artistique, sexuelle et amoureuse, etc.
Avec une verve étonnante de vivacité, de drôlerie et d’érudition, le présent livre contribue à redéfinir les contours de ce que pourrait être, comme le disait Kropotkine, une « morale anarchiste » aujourd’hui.

David Graeber was not only one of today’s most important living thinkers, but also one of the most influential. He was also one of the very few engaged intellectuals who has a proven track record of effective militancy on a world scale, and his impact on the international left cannot be overstated.

Graeber has offered up perhaps the most credible path for exiting capitalism—as much through his writing about debt, bureaucracy, or “bullshit jobs” as through his crucial involvement in the Occupy Wall Street movement, which led to his more-or-less involuntary exile from the American academy. In short, Anarchy—In a Manner of Speaking presents a series of interviews with a first-rate intellectual, a veritable modern hero on the order of Julian Assange, Edward Snowden, Linus Torvald, Aaron Swartz, and Elon Musk.

Interviewers Mehdi Belhaj Kacem and Assia Turquier-Zauberman asked Graeber not only about the history of anarchy, but also about its contemporary relevance and future. Their conversation also explores the ties between anthropology and anarchism, and the traces of its DNA in the Occupy Wall Street and Yellow Vest movements. Finally, Graeber discussed the meaning of anarchist ethics—not only in the political realm, but also in terms of art, love, sexuality, and more. With astonishing humor, verve, and erudition, this book redefines the contours of what could be (in the words of Peter Kropotkin) “anarchist morality” today. 

Après la crise établit une plateforme de conversation entre protagonistes de l’art, de l’écriture, de la théorie, de l’exposition, et de l’histoire, afin d’interroger le statut de la photographie aujourd’hui. Les contributeurs viennent des domaines de la théorie critique, de la fiction, de la performance, de la photographie de mode, des musées, du cinéma et du design, et leurs discussions réunissent l’histoire et le contemporain. Ces échanges établissent des parallèles entre la situation actuelle des images photographiques et la crise vécue par la représentation au temps de la naissance de la photographie ; ils mettent en perspective notre relation aux images photographiques à l’ère numérique, et nous permettent de voir en la photographie un médium, une voie pour explorer la politique, l’esthétique, les émotions de nos vies. Au travers de ces conversations vivantes, et des introductions sagaces qui les précèdent, nous en venons à ressentir le fardeau existentiel d’être entouré par des images, tout en commençant à saisir la profondeur historique d’un questionnement des images qui s’ouvrit bien avant la génération actuelle, et qui se confronte aux sujets politiques et culturels cruciaux de notre temps. Avec les contributions de Philippe Artières, Osei Bonsu, Emma Bowkett, Elisabeth Bronfen, Emanuele Coccia, ­Russell ­Ferguson, ­Dominique de Font-­Réaulx, Marc Fumaroli, Leigh Ledare, Kieran Long, Roxana Marcoci, Renzo ­Martens, Paul ­McCarthy, Tom McCarthy, Pascale Montandon-­Jodorowsky, ­ORLAN, Alice Rawsthorn, Jeff Rosenheim, ­Elisa Schaar, ­Bruno Serralongue, Devika Singh, Abdellah Taïa, ­Oliviero ­Toscani, Inez van Lamsweerde & Vinoodh ­Matadin, Wim Wenders, Richard Wentworth.

A journey through the United Fruit Company’s photo archive and its documentation of corporate expansion into the Caribbean.

The establishment of the United Fruit Company as a global political agent with its banana plantations was met with considerable resistance. Now the company’s photographic records are the focal point of Archive Matter as it examines photography’s historical and political impact through the argument that this overlooked, but important, archive made capitalist expansion into the Caribbean possible.

Author Liliana Gómez examines the images from within their “optical unconscious” and via the archive’s silences and omissions. The implication of these silences, Gómez argues, is the attempt to conceal the violence embedded within the realities of the plantations’ daily operations and corporate efforts to “modernize” the Caribbean.

The invisibilization of political violence, its material traces, and spatial manifestations, characterizes conflict and post-conflict situations. Yet, artists, writers, and human rights activists increasingly seek to challenge this invisibility, contesting the related historical amnesia through counter-semantics and dissonant narratives. Adopting “performance” as a concept that is defined by repetitive, aesthetic practices—such as speech and bodily habits through which both individual and collective identities are constructed and perceived—this collection addresses various forms of performing human rights in transitional situations in Spain, Latin America, and the Middle East. Bringing scholars together with artists, writers, and curators, and working across a range of disciplines, Performing Human Rights addresses these instances of omission and neglect, revealing how alternate institutional spaces and strategies of cultural production have intervened in the processes of historical justice and collective memory.